최윤정 평론 2009.12 (한/영)

                       

 

 

                                                                                                                                            글|최윤정_미술비평/미학
2009.12

'화면 속 시각적인 것이 엷은 붓질로 인해 묘한 잔영을 일으킨다. 잔상 혹은 잔영, 눈에 보이는 명확함이라기 보다는 심리적이고 기억감정을 구체화하는 형상, 작가 이은정의 작업은 그리하여 흡사 환영과도 같다. 그러나 망막에 결코 맺히지 않았었을 법한, 곧바로 형식 자체에서 물리적 감각체험을 끌어내는 이 이미지는, 도리어 내적으로 명확해지며 역으로 시각을 자극한다.'

I.
그녀가 일필의 가는 선에 주목하고 이로써 머리칼, 피부의 표면 등을 근 10여 년간 연구하고 표현해왔던 전작에서부터 보자면 지금의 ‘흐릿한 초상’ 연작은 의도적으로 숨겼으되, 그 이면의 주제를 정직하게 공개하고 있다. 한편 이전 작업은 작품에 드러나는 얼굴의 '결'과 머리칼 한올 한올을 세밀한 붓질로 표현하며, '이형사신'의 정신성을 기반으로 한 고도의 관찰력과 집중을 요한 작업이었다. 자신이 천착하고 있는 소재와 주제에 대해 고집스러울 정도로 반복하고 훈련하고 실천해온 작가 이은정은 이와 관련한 상당한 작업량을 가지고 있으며 이로 미루어 보더라도 예의 작업에 대한 신실한 태도를 가늠케 하는 사람이다.

최근작에서 나는 작가의 말대로 그녀가 여성이고, 결혼을 해서 아이도 있고, 그러다 보니 여성과 모계에 관심이 가고, 그 한 결과로 작품의 내용이 ‘모계’, ‘지폐 속 여인들’, ‘종부이야기’로 이어진 것 같다는 '뉘앙스'의 말을 믿지 않는다. 여기서 '뉘앙스'라 표현한 것은 작가가 확실히 그것을 고집한 느낌이 들지 않았다는 이유에서이다. 비록 일순간이라 해도 내 시선에서 작가 이은정은 이와 왠지 절실히 밀착되어 있다거나 대단히 유관한 상황에 놓여있는 것 같아 보이지 않았다. 다만 그녀는 자신이 고안한 작품형식과 여기에 보다 어울리는 내용적 관심사를 효과적으로 잘 조합했다.

II.
그녀의 작품을 바라볼 때 의도했건 아니건 간에 일정 '거리'를 두어야 이미지가 제대로 보인다는 점은 대단히 흥미롭다. 자세히 보고자 가까이 다가가면 연한 펄코팅에 반사하는 빛만 보일 뿐이고, 대형화폭에 새겨진 이미지를 제대로 보기 위해서는 감상자의 발이 점점 작품에서 멀어져야만 한다. 말하자면 작품자체가 시선의 일정한 거리를 요구하는 것이다. 시선의 일정한 거리는 또한 작가가 주제로서 다루는 대상에 대해서 일정한 거리를 유지하는 태도와도 닮아있다. 그녀의 ‘종부이야기’는 심층 자료연구를 토대로 한다. 일차적으로 전국의 종부들을 열심히 발품 팔아 찾아다니며 인터뷰 자료를 수집하는데, 여기서 작가는 그들의 삶에 대한 태도 혹은 여성으로서의 삶을 동일시하거나 오마주를 띤 입장을 취하지 않는다. 오히려 순수 관찰자로서 그들의 보이지 않던, 주목 받지 못했던 행위를 재조명하기 위해서 접근하는 식이다. 그래서 나는 그녀의 작업에 아카이브적 특성이 가미되어 있음을 중요하게 보고있다. 이는 작가가 고유하게 설정한 '흐릿한 초상'의 일환으로 진행된 일련의 작업들이 형식적 동일성 내지는 유사성을 띠고 있다 해도, 주제적인 차별성에서 한 근거가 되기 때문이다. 주제를 이끌기 위한 면밀한 연구와 조사는 그것이 어떤 과정으로 진행되었는가에 대한 검토와 반성를 수반해야 할 필요가 있다.
초상화에 대해 말해보자. 보통 초상화는 그 대상자의 사회적 위치와 분위기, 당대의 주요한 교훈을 우의적으로 표현하면서 그 자체 문맥적인 요소를 획득했기에 역사적으로 혹은 예술적으로 의미있는 반향을 가진다고 본다. 그러나 초상화는 일차적으로 어떠한 의미이든지 개인에 대해서 마주하고 있다. 말하자면 이는 개인의 특성과 분위기를 단호히 표현하며 오히려 그/그녀를 바라보고 있는 듯한 환영을 가져오게 하기 때문이다. 이에 비해 '종부이야기'에서는 절대 개인이 강조되지 않는다. 나는 여기에서 작가 이은정의 작품을 마주할 감상자가 앞서 말한 '시선적인 거리두기'를 해야 하는 바와 마찬가지로, 의미적으로 '심리적인 거리두기'가 작동하고 있다는 것을 거론하고자 한다. 초상화의 인물(개인)과 서로 응시하는 요소라기 보다는, 오히려 연작 시리즈에 참여하고 있는 전체 흐릿한 초상들이 한 공간 안에서 공명을 일으키고 이 분위기에 감상자가 압도되는 형국이 야기되는 것이다. 흐릿하기에 대상의 구체적인 형이 부각되지 않는다는 것, 그로인해 '거리두기'의 행위가 겹쳐지고, 이로써 물리적인 '감각체험'의 방향으로 나아가는 것. 잊혀져가는 것과 가려져 있던 것이 또한 표현에서 더욱 적극적으로 감춰지는 탓에 의도했던 혹은 아니건 오히려 작가 이은정의 작품 자체에서 발하는 소명은 더욱 명확해진다. 형식은 그 자체가 내용이 되었다.

III.
이은정의 작업은 보통 상처와 자존, 자신의 일상과 내면, 여성으로서의 삶과 정서에 대한 자기 고백 등으로 풀리는 태반의 여성작가들의 일반적인 양태와 근본적으로 차이가 있다. 대단히 계획적이며, 과학적이며, 연구적이며, 대상적이다. 이러한 맥락에서 이전 작업 중 내가 특히 주목하는 바는 ‘겹친여백’ 시리즈이다. 동양의 정신적 여백 사상을 주름으로 무늬로 표현하여 물리적인 공간감을 실재화하였으며, 겹친여백 자체는 기존의 정신성의 확산 내지는 파장이라는 전통적 여백 느낌에서 입체, 공간감, 시각적인 착시 등의 요소를 끌어오고 있다. 마치 관찰자, 연구자의 태도를 함의하고 있다는 인상을 강하게 받는 것이다. 내용상에서 비슷한 문맥을 보이는 ‘모계’시리즈의 경우는 그녀가 시어머니를 토해 모계를 정리하여 초상작업을 한 것이었다. 그때의 연작과 '종부이야기' 연작은 자칫 내용적 맥락이 유사하다는 판단을 내릴 수도 있겠지만, 전혀 다르다. '흐릿한 초상' 시리즈는 그녀가 10년간 해온 작업과 형식적인 결별을 맺는 지점이다. 물론 작업을 진행하는 데 있어서 아카이빙 및 연구조사는 일견 방법적으로 유사하다. 그러나 '흐릿한 초상-종부이야기' 시리즈는 '모계'연작보다 심리적 거리감이 한층 강화된다. '모계'연작에 표현된 인물이 개개인의 계보가 드러나며 관계적 선형을 구성하는 시점이라면, '종부이야기'는 그녀가 택한 혹은 개발한 작품형식을 보다 긍정적으로 완성해줄 수 있는 하나의 대상이다.

IV. 인터뷰
내가 느낀 작가 이은정은 따뜻하지만 고집스럽고 또한 세심하지만 그다지 크게 신경쓰지 않는다. 자신이 어떻게 비춰질까 혹은 내가 지금 잘 하고 있는가 분명 작가로서는 신경이 쓰일 테지만, 내 느낌으로 그녀는 근본적으로 긴장하고 있지 않았다. 그녀와의 만남 그리고 첫 인상, 죽 이어진 그 내면의 인상에 대해서 이같이 말하는 이유는 내가 생각하는 최근 그녀의 작업 ‘흐릿한 초상’의 과정에 대한 단초를 일부 여기서 발견했다고 보는 부분도 있기 때문이다. 해야 할 일과 하고 싶은 일과 할 수 있는 일을 구분한다는 것을 참으로 힘들다, 그러나 가능하지도 않겠는가. 작가 이은정을 마주하고 문득 든 생각이다.■

 

글|최윤정_미술비평/미학

                                                                Choi Yun-jeong_Art critic/esthetics

 

2009.12 

 ‘A visual object on the screen arouses a weird afterimage due to the thin brushstrokes. An afterimage, trace, or form embodies a psychological and emotional memory rather than visible obviousness. Lee Eun-jeong’s works are similar with these afterimages. But her afterimages seem not to be projected on our retinas, but induce a physical, sensory experience from the form of her works, and these become clear in the mind of the viewer, stimulating the viewer’s sense of sight.’

 

I.

When viewing her works, for which she researched hair and the surface of skin for around ten years by paying attention to the ｅxpression of fine line brushstrokes, we can find that she hid the image of the series ‘Hazy Portrait’ purposely, but disclosed its theme honestly. on the other hand, she expressed the ‘skin’ of a face and each hair with fine brushstrokes in her previous works. These works required keen observation and concentration based on the method of ‘Ihyoungsashin’ (an artist sees a place first and describes it later on the canvas’). She repeatedly polished the materials and themes that she was stuck on, thus she has a lot of works relating to those ideas. When thinking about this, we can guess how sincere she is about her work.

 

I do not believe the nuance of her claim that she was naturally interested in female subjects and the maternal line because she is a woman, has been married, and has children, and that she created the series ‘Maternal Line’, ‘Women in Paper Money’, ‘The Story of an Eldest Daughter-in-Law’ with such contents. The reason that I use the word ‘nuance’ is because I do not feel that she firmly insisted on her thought. Although it was a flash of an impression that I felt about her, she seems not to strongly stick to these ideas or is unconnected with them. She combined the form, which she made, with her interest fitting the form appropriately.

 

 II.

It is interesting that, whether it was intentional or not, viewers can see her works well when viewing them from a proper ‘distance.’ When approaching to view her works carefully, you see only lights reflected on the dim pearl coating. In order to see the images on their large-sized canvases, you should be far from them. That is to say, the works themselves need a certain distance to be seen. As one’s viewing distance is another theme of Lee Eun-jeong, it is similar with her attitude that maintains a certain distance from her subject. Her ‘The Story of an Eldest Daughter-in-Law’ is based on her deep study. She visited many eldest daughters-in-law across the nation and interviewed them, but did not identify with their attitudes on life or on their lives themselves, and did not adopt a homage-based approach to her work. Rather, she shed new light on their invisible, unnoticed attitudes as a pure observer. Thus, I pay attention to the archive-style features added into her works. The series, made as a link to her ‘Hazy Portrait’, has a similarity or identity in form, but I can also find her unique features from her own themes. In a way, the deep study and investigation needed to display her themes requires introspection by the viewer in order to discover how the study and investigation were processed.

 

Let’s talk about her portraits. Normal portraits express the social status and atmosphere of their subjects, and as indirect lessons on the period, have a historically or artistically meaningful echo in their context. Also, a portrait presents an individual in a first meaning. So to speak, as it firmly expresses the features and atmosphere of an individual, the ｅxpression gives viewers an illusion as if they are actually viewing the subject of the portrait. Unlike such portraits, ‘The Story of an Eldest Daughter-in-Law’ does not emphasize the person. As viewers should maintain ‘a distance of sight from Lee Eun-jeong’s works,’ so should they maintain a ‘psychological distance from the works.’ All of the hazy portraits in the series arouse echoes in their space, which oppresses viewers with its mood, and these distances are not elements responding to the individual of the portraits. In her works, a concrete form is not distinguished because of its haziness, thus maintaining a distance can play a unique role in an exhibition space during the viewing process, giving the viewers a physical, sensorial experience. The vision radiating from Lee Eun-jeong’s works becomes more obvious because, whether she intended it or not, being forgotten and being closed are actively hidden in her artistic ｅxpression. The form of her work itself becomes the content of her work.

 

,

III. 

Her work shows a fundamental difference from the common style of most female artists who express hurt and self-respect; daily life and the inside, life, and emotion as a woman; self-confession; and so on. She creates her works scientifically, paying attention to a plan, research, and the subject. From this context, I am particularly interested in the ‘overlapped blank space’ series. As she expressed the blank spaces shown in traditional Korean painting with folded patterns, she embodied a sense of physical space. The folded blank space itself induces factors such as a cubic effect, a spatial sense, and an optical illusion from the feeling of traditional blank space in terms of the expansion or impact of a traditional spirit. You would strongly feel that the works contain the attitude of the artist, who is an observer and researcher. The series ‘Maternal Line’, which presents a similar context, entails works that she created based on the material line of her mother-in-law. You might think that the series ‘Maternal Line’ and the series ‘The Story of an Eldest Daughter-in-Law’ are similar in their content, but they are totally different. The series ‘Hazy Portrait’ is a point in which she parted from the work and form that she had stuck with for ten years. Of course, she still uses similar ways, archives, and studies in processing her work. But these series have more strengthened the psychological distance than that shown in the series ‘Maternal Line’. While the figures in the series ‘Maternal Line’ show relational lines revealing the family tree of an individual, the series ‘The Story of an Eldest Daughter-in-Law’ presents a direction that can lead to a positively perfect form.  

 

 

IV. Interview

Lee Eun-jeong, I feel, is a person who is warm but tenacious, delicate but generous. She may be aware of her impression or work process as an artist, but I feel that she is relaxed from the outside. The reason that I am describing the interview with her, and my first impression of her, along with the feeling delivered from her discussion on her ideas, is because I found within our meeting, some clue on the creation process of her series ‘Hazy Portrait’. Although it is hard to distinguish the work that one should do and the work that one hopes to do, I think they can be distinguished. This is the idea that came to my mind when I met her.