이은정의 작업 - 선(線), 초상, 그리고 여인/ 송희경 2008.10 (한/영)
이은정의 작업 - 선(線), 초상, 그리고 여인
송 희 경
(미술사, 이화여자대학교 박물관 연구원)
2008.10
작가 이은정은 대학을 졸업한 2000년 이후 계속 인물 초상, 그것도 여인만을 주로 그려왔다. 또한 화선지에 수묵 담채만을 고집한다. 그리기의 방식을 보면, 우선 하도에 먹선을 그리고 그 위에 화선지를 올려 비치는 형태를 바탕으로 하여, 화선지를 적시고 말리고 과정을 반복한다. 피부색과 양감을 살린 후 묘사가 완성되면 배접과 동시에 마무리 작업을 한다. 이 과정에서 그는 다른 작가가 애용하는 아교나 호분은 거의 사용하지 않는다. 오로지 묵(墨), 선(線), 화선지 그리고 시간의 축적으로 작품을 완성하는 것이다.
이러한 그의 작업은 2001년 첫 번째 개인전부터 줄곧 지속되었다. <Dowsing>이라는 제목의 이 전시회에서 각각 다른 곳을 응시하는 자화상을 볼 수 있다. 긴 머리의 여인은 자신의 머리카락을 잡고 있거나 턱을 괴고 있거나, 손으로 입을 가리면서 무언가를 골똘히 생각한다. 긴 머리는 신체의 일부분이자, 배경의 중요한 구성요소이며 현실적이라기보다 몽환적이고 환상적인 느낌을 준다. 피부 이외에는 다른 채색을 전혀 배제한 이 자화상은 2002년 두 번째 개인전에도 지속된다. 단지 차이가 있다면 화면 내에서의 인물 위치, 관자의 독특한 시선과 변형의 시도이다. 그리고 역시 선묘 처리된 꽃무늬 배경의 도입이다. 이는 긴 머리카락처럼 화면에 동화된 또 다른 신체의 일부이자 장식처리이다. 이러한 현상은 2003년 개인전 <향수(鄕愁)와 향수(香水) 展>에서 더욱 부각된다. 일부 신문지 배접을 바탕에 사용한 이 전시에서는 인물이 손에 꽃이나 붓을 잡았으며 머리카락과 꽃이 혼용되었다.
이은정의 작품은 2004년부터 3년 동안 지속된 파리체류를 계기로 변화한다. 소재가 '나'에게서 타자(他者)로 전환한 것이다. 외부로 시선을 돌린 그는 유학시절 만난 외국인을 같은 방식으로 화폭에 옮기되, 더욱 장식적이고, '서구적'인 표현을 더하였다. 이때부터 그림 속 얼굴도 동양적 음영법에서 서양적 명암법으로 전환되었고, 일부 작품에서는 배경에 머리카락이나 꽃 대신 '접힌 여백-작가의 표현'을 시도하였다.
3년간의 유학을 마치고 귀국한 후에는 점점 인체를 생략한다. 전신(全身)이 의미가 없다고 여긴 것이다. 최근의 작업은 세 가지 방향으로 정리된다. 첫째는 '흐릿하게 보이는 인물상'시리즈이다. 일견 미완성인 듯한 이 작품들은 세로 193cm, 가로 122cm의 큰 화면에 한 얼굴을 가득, 그리고 연한 채색을 가미하여 매우 흐릿하게 그렸다. 신사임당, 어머니, 본인 등등.. 완성 후 펄가루에 코팅액을 섞어 덧바르는, 새로운 재료의 실험도 더하였다.
둘째, 여인을 중심으로 한 가계도이다. 시어머님의 친정어머님이신 김정순 여사를 중심으로 그분의 여섯 따님, 또 그 분들의 따님을 각각 초상 형식으로 그려, 가계도 형식으로 배치하는 것이다. 셋째, 남성영웅, 예컨대 나폴레옹이나 이순신의 몸에, 본인의 얼굴을 붙인, '번안'된 영웅의 재현이다. 얼
굴과 머리카락만 그린 그림과는 달리 신체와 소품까지 표현된 이러한 작업방식은 주와 객이 전도된 듯한, 혹은 자아와 타자가 혼란을 일으키는 듯한 파격적인 시도로 간주된다.
여기까지가 필자가 관자의 입장에서 본 작가 이은정의 작품이다. 그의 그림에 등장하는 주요 소재, 즉 여인이다. 여인을 소재로 한 작가는 무척이나 많다. 고대 동양회화에서 등장하는 여인은 망자의 초상, 시녀, 가족의 구성원, 노동자(길쌈 육아), 신화적 존재(여와, 서왕모)이다. 근대기에는 시대를 앞서가는 신여성, 모던 걸로 표현되었고, 그 후에는 남성중심사회에서 ‘타자’로 인식된 여인의 실상이 작품화되기도 하였다. 이은정의 여인은 ‘주변’이 아닌 ‘중심’이며, 따라서 여인으로서의 아무런 갈등과 모순의 감정이 없는, 모계적인 역사성을 지닌 존재로 파악된다. 심지어 남성영웅에 패러디 된 여인도 전쟁에서 승리한 당당함, 권위의식을 드러내지 않는다.
그리고, 작가는 동양인물화사에 있어서 가장 중요한 인물인 고개지(顧愷之)의 전신(傳神)사상을 실현하고자 하였다. '기운을 사물에 옮겨 작가의 정신을 드러냄'으로 정의되는 전신(傳神)사상은 '이형사신(以形寫神)' 즉 ‘형을 옮겨 정신을 나타냄’이다. 이를 실천하
기 위하여 얼굴과 머리카락의 선적(線的)인 묘사에 치중해 왔다. 그러나 남성영웅에서는 갑자기 장식적이고 과장된 '몸'이 등장하여 또 다른 여성 표상을 제시한다.
첫 개인전 제목으로 사용한 <Dowsing>은 수맥을 찾는 행위이다. 무언가를 계속 찾고 추구하고자 하는 갈망이 이은정 작품 곳곳에서 목격된다. 그래서 어쩌면 그는 Dowser로서 평생을 보낼지 모르겠다. 작가는 이미 젊은 나이부터 '자신의 작업 스타일'에 확신을 가지고 이를 고집하고 있다. 이는 학생시절부터 성실하고 꾸준하게 작업을 한 시간과 노력의 결과일 것이다. 보이지 않는 것을 찾으려고 무한히 노력하는 흔적을 앞으로 전개될 그의 작업에서 발견하고 싶다.
Lee Eun-jeong's Work - A line, a Portrait, and a Woman
Song Hee-gyeong
(Art History, Researcher at Ihwa Women's Univ. Museum)
2008.10
Lee Eun-jeong has been working primarily on portraits, expecially ones of women, ever since she graduated from university in 2000. She always uses Korean traditional drawing paper only and insists on black and white Indian ink paintings. She draws lines with ink on a piece of paper, puts another one on top of it, so that the ink smears on the top paper. She repeats the process of soaking and drying the paper many times. When the description of skin color and volume is completed, the artist puts the papers together by repeating that process, and gives her work a final touch. She hardly uses any glue or chalk which are often used by other artists. Her work is created only with ink, lines, paper, and time.
Lee Eun-jeong has continuously shown this kind of techniques since her first private exhibition, <Dowsing>, in 2001. In the exhibition, she displayed multiple self portraits that gaze at different directions. The long-haired woman is holding her hair with her hand in one portrait, resting her chin on her hands, or focusing on her thoughts with her hand covering her mouth, in others. Her long hair is part of her body and, at the same time, a significant element of background, that gives rather dreamlike and illusionary sensations than a realistic impression. Her second private exhibition held in 2002 continues to showcase those self portraits with no colors but the ｅxpression of skin tones. The differences between the first and the second exhibitions are her attempts to change the locations of objects in the canvases and to transform the observer's views. She also introduced the flower patterned background drawn in lines, which serves as a decoration, representing another part of the body that is assimilated into the canvas just like the long hair. The background technique is more emphasized in her 2003 exhibit named <Nostalgia and Perfume>. Some of the paintings' backgrounds are made of put-together newspapers. The woman is holding flowers or a brush in her hand and the flowers are mingled with her hair.
Lee Eun-jeong's works show a dramatic change after her stay in Paris for 3 years from 2004. The subject of her paintings was altered from 'self' to 'others'. She used the same techniques to describe a foreigner whom she had met in Paris, but with more decorative and 'western' ｅxpressions. Since then, the faces in her paintings have been created more with the western chiaroscuro instead of the oriental light and shade techniques, and in some of her paintings the hair and flowers on the background were replaced with "folded background - the ｅxpression of the artist".
She started to eliminate human bodies from her paintings after she had returned to Korea, because she had realized that the whole body was meaningless. Her recent works are divided into three different directions. The first type is a series of 'blurry portraits'. The paintings of the blurry faces of women including Shin Saimdang, the artist's mother, and herself, etc, full of 122cm wide by 193cm long canvases, painted with light and watery colors, look as if they are incomplete works at first glance. She also tried new experimental techniques of coating the finished paintings with the mixture of pearl powder and laminating liquid. The second type is the family map centered on women. She arranged the portraits of her mother-in-law's mother, Kim Jeong-soon, her six daughters, and their daughters, in a form of a family map. Third, she reproduced 'adopted' heroes by attaching her face to the bodies of male heroes, such as Napoleon or Lee Soon-shin. Such approaches that include not only the face and hair but also the whole body and even other items are considered to be an extraordinary attempt to express the reversed positions of the subject and the observer, or the confusion between self and others.
The opinion detailed above was the critique of Lee Eun-jeong's works from a personal view as an observer. The primary subject appeared in her paintings is women. A number of artists choose women as the subject of their works. The ancient oriental paintings describe various kinds of female characters including departed people, maids, family members, laborers(길쌈 육아), and mythical characters(Yeowa, Seowangmo), etc. More recent times they were replaced with new women and modern girls, before the reality of women as 'others' in a male-dominated society was expressed in art. The women created by Lee Eun-jeong are not in the 'periphery' but on the 'center' and, therefore, have no conflict of emotions. They are regarded as the existence of matrilineal history and, even the female warriors with a parody of male heroes do not show any authoritarianism or dignified appearance for winning the battle.
The artist intended to materialize 'the principle of 傳神(portrait)' of Gu Kaizhi(顧愷之), one of the most important people in the history of oriental portrait. The definition of 'the principle of portrait' is 'to bring energy into the objects to reveal the artist's spirit', which is in line with '以形寫神', that is, 'to change form and express spirit'. In order to pursue those principles, Lee Eun-jeong has focused on the description of face and hair created by lines. In the portraits of male heroes, however, decorative and exaggerated bodies appear, which do not exactly seem to correspond with the principle of 傳神 or 以形寫神.
Lee Eun-jeong has always had a firm belief in her work style since she was young. Her work style was developed as a result of her constant effort and time she has put in her work since she was a student. Though, it sometimes does seem that her own frame of work might have been established too early.
The title of her first private exhibit, <Dowsing>, means 'finding a water vein'. The desire to constantly search for and follow something is frequently displayed in her works. She might spend her all life searching for something as a dowser. There are expectations that her future works will show her effort to find something invisible.